Etienne Aubert
Conférencier d'art : choix d'une trentaine de monographies et de thématiques (langues française et anglaise)
Qui est Etienne AUBERT ? « Même s’il a étudié l’histoire de l’art, son émotion, il la puise avant tout dès sa plus tendre enfance, lorsqu’il se trouve figé, ébloui, enivré, et parfois même fragilisé devant une oeuvre d’art. Depuis sa jeune adolescence, il voyage aux quatre coins du monde. Pour mieux comprendre, il court alors les musées et les galeries d’art tant en France qu'à l'étranger. Le mystère demeure ; le regard est donc décisif. Son esprit se nourrit de l’art qui à son tour élève son âme. Ce qu’il fait depuis des années, est de partager sa passion indéfectible pour l’art, de proposer sa propre analyse et de contextualiser les oeuvres dans leur écrin historique et civilisationnel. Il n’y a pas d’équation possible entre l’œuvre et le discours. Aucun discours n’épuise une oeuvre d’art. C’est sans doute ce qui rend toute interprétation infinie et fascinante. Avec l’œuvre d’art, il y a une présence mystérieuse car silencieuse. »
Tarifs
- Conférence : 2300 €
- Animation : 2400 €
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Ses conférences
Jacques-Louis David et Jean-Paul Marat … tous deux révolutionnaires !
Jacques-Louis David et Jean-Paul Marat … tous deux révolutionnaires ! « Faites tomber la tête de Marat et la patrie est sauvée ! » Ce sera la mission qu’accomplira Charlotte Corday en assassinant « L’Ami du Peuple », le 13 juillet 1793. Avec un réalisme fascinant, le corps de ce fervent révolutionnaire, gisant dans une baignoire encore fumante, sera croqué sur le vif par l’artiste peintre Jacques-Louis David (1748-1825). Et pourtant ses débuts de peintre furent semés d’embuches. Ce sera dans l’atelier de Joseph-Marie Vien, grand maître du néoclassicisme, que David deviendra l’un de ses successeurs. Ce n’est qu’à la quatrième reprise au concours de peinture de l’Académie en 1774 qu’il sera enfin accepté. Il fera alors le fameux voyage de Rome qui changera complètement son regard sur la peinture.
John Singer Sargent … Dr Pozzi & Mrs X
Pour faire écho à l’exposition en cours au Musée d’Orsay sur John Singer Sargent (1856-1925), l’un des plus grands portraitistes de son époque, j’aborderai les dix années parisiennes de l’artiste (1874-84). La présentation du portrait de Madame X au Salon de Paris sera un succès … de scandale, qui l’amènera à quitter Paris pour Londres. J’évoquerai plus longuement, selon un mode badin et amusé, les relations privilégiées qu’il entretiendra avec ses mécènes, commanditaires et modèles britanniques et d’Outre-Atlantique, puis ses œuvres murales très controversées de la Bibliothèque Publique et du Musée des Beaux-Arts de Boston auxquelles il consacrera les trois dernières décennies de sa vie, et enfin la sexualité complexe de l’artiste nomade …
Une soirée hilarante et musicale avec Steve (crooner-entertainer) et pianiste
Le Steve O'Bear Show ! Une soirée hilarante avec Steve (crooner-entertainer) et Lauren (pianiste) des émissions de variétés américaines (années 50-70) incluant une douzaine des mélodies mentionnées ci-dessous (Cole Porter, Duke Ellington, George Gershwin, Nat King Cole, Irving Berlin, Dean Martin ...) ainsi que des sketches humoristiques anglo-américains et des blagues. J'ai laissé mon cœur à San Francisco - Au-delà de la mer - Quand je tombe amoureux - Misty - Satin Doll - La fille d'Ipanema - Nuit et jour - Inoubliable - L.O.V.E - Mona Lisa - Thé pour deux - Les feuilles tombent - J'aime Paris - Au fil du temps - Étrangers dans la nuit - Gardenia bleue - C'est magnifique - New York New York - Par-delà l'arc-en-ciel - Check to check - Quizas - La façon dont tu as l'air ce soir - Tombons amoureux - My way - Willkommen - Fin heureux - Chanter sous la pluie - Trois petits mots - S wondertul - Quel bien cela fait de s'asseoir - La bonne lumière - Il fallait que ce soit vous - Vous me faites quelque chose - Tout le monde aime quelqu'un - Aime-moi tendrement - Faites-les rire - Sourire - Ils ne peuvent pas me l'enlever - Plus je vous vois - Bonjour - J'ai le rythme - Une soirée enchantée - La simple pensée de vous - C'est si bon - Fin heureux - Vous étiez fait pour moi - Vous êtes mon étoile chanceuse - Je pourrais être heureux avec vous - Chérie, je vous aime beaucoup - Ne traînez pas trop - C'est l'amour - L'ombre de votre sourire - L'amour est là pour rester - Quand vous buvez - Merci le ciel - Arrivederci Roma - La berceuse de Broadway - Plus - Bonjour Dolly - Tout ce que je fais, c'est rêver de vous - Non dimenticar - Bienvenue dans mon monde - Amour véritable... et bien plus encore.
Rêve « musical » américain d'Irving Berlin, Ellington, Porter, Gershwin ...
Le rêve « musical » américain d'Irving Berlin aux cotés de Duke Ellington, Cole Porter, George Gershwin, Nat King Cole ... revisité par Etienne Aubert (alias Steve O'Bear), conférencier d'art et « crooner-entertainer. » Irving Berlin est devenu célèbre pour ses nombreuses comédies musicales dont il a signé la musique. Il a élevé à un succès international "White Christmas" dont l'interprétation par Bing Crosby est le single le plus vendu de toute l'histoire du marché du disque, ainsi que "God Bless America", chanson patriotique souvent considérée comme l'hymne national officieux américain. L'occasion vous sera donnée d'interpréter vous-mêmes ces grands airs du grand répertoire américain de la chanson du XXe siècle ...
Les bains de mer depuis le XVIIe siècle …
L'usage de l'eau de mer était déjà loué par les civilisations antiques. Les premiers bains apparurent au XVIIe siècle dans le Yorkshire en Angleterre sur les bords de la mer du Nord. Des médecins avaient découvert les vertus thérapeutiques de l’eau de source locale. Une station thermale vit rapidement le jour. On venait s'y promener et retrouver la santé en respirant l’air salin à pleins poumons. Cette pratique thérapeutique se répandit en France. Dieppe devint la première station balnéaire de France fréquentée par l’élite française dès la fin du XVIIIe siècle. Les cures marines étaient censées guérir de nombreux maux. Il était de bon ton de s’offrir une villégiature à la mer. L’aristocratie s’y retrouvait pour suivre l’exemple de la duchesse de Berry, la première à lancer cette mode mondaine dès 1824. De nombreuses stations thermales s’installèrent le long des côtes françaises : au Touquet-Paris-Plage, Boulogne-sur-Mer, St Malo, Granville, Cherbourg, Deauville, Arcachon, Biarritz, Cannes ... Elles devinrent également un lieu de sociabilité et de distractions pour une clientèle raffinée.
Louis XIV protégeait les arts. Versailles dorlote ses artistes contemporains
Le Versailles d'aujourd'hui se veut un lieu animé, vivant, attractif, comme pour en refaire l'emblème qu'il était sous le Roi-Soleil. Cette politique de prestige a un coût. L'argent public se fait rare. La manne du mécénat a ses limites même si dans les années 1920, Versailles reçut un don important de l'Américain John D. Rockefeller Jr pour financer sa rénovation. A Versailles, les débats dépassent vite le cadre du château et déchaînent parfois les passions. Classicisme et art contemporain juxtaposés, de quoi ouvrir une vive polémique. L'art contemporain est parfois violent et provocateur. C'est un système international, mondain et financier, à la fois public et secret. Ce phénomène de masse a porté aux nues un aréopage d'artistes de Jeff Koons en 2007 à Olafur Eliasson en 2016. L'an dernier l'une des œuvres d'Anish Kapoor, "Dirty Corner", a reçu des jets de peinture jaune et des graffitis outrageux. L'œuvre à la connotation sexuelle assumée par l'artiste avait suscité une controverse dès son installation dans les jardins de Le Nôtre. Versailles n' a pas d'autre choix que d'accueillir ses artistes contemporains. Business is business !
Johannes Vermeer. Chuuuuuuuuuut ! Le siècle d’Or …
Découvrir les tableaux de Vermeer est une invitation au silence : « Il faudrait presque faire mettre des chaussons aux visiteurs pour admirer Vermeer. » Nous sommes à Delft au XVIIe siècle, en plein cœur du siècle d’or de la peinture hollandaise. Si l’histoire a retenu l’image d’un peintre oublié de son temps, Vermeer était en réalité bien connu de ses contemporains. Dans ses tableaux, il n'a cessé d'utiliser les codes de la peinture néerlandaise traditionnelle autant que de s'en détourner, créant des œuvres aux multiples mystères. Ses tableaux sont tournés vers l'intérieur. Seuls deux tableaux représentent des scènes d'extérieur, deux exceptions qui confirment la règle : La Ruelle et La Vue de Delft. La spécialisation des peintres de cette époque était bien réelle. il y avait la peinture de portrait, de nature morte et la peinture de genre. Parmi les plus renommés étaient Terborch, de Hooch, Steen, Van Loo, Dou, Netscher, Metsu et Van Mieris. Il fallut tout l'acharnement de quelques passionnés pour retrouver sa trace au XIXè siècle. Le « sphinx de Delft » a laissé peu de trace sur sa vie et son art.
Diego Vélasquez, peintre de cour et de basse-cour …
Vélasquez est sans conteste le plus célèbre des peintres de l’âge d’or espagnol. Des portraits du roi Philippe IV, des infants et des infantes peints inlassablement par Vélasquez, on finit parfois par s’en lasser. A Séville, le jeune Vélasquez s'illustre rapidement dans un genre très apprécié des élites, le « bodegóne ». Il représente, dans des intérieurs d'auberge ou de cuisine, des personnages de condition modeste attablés autour de victuailles et de pièces de vaisselle. Il les peint avec la plus vive attention, émotion et sensualité. Plus interpellant est la série de portraits de nains et de bouffons qu'il nous a si généreusement « léguée ». Le regard qu’il porte sur le handicap est riche d’enseignement et de modernité. Il ne produit pas de spectacle mais une œuvre d’art dans laquelle le modèle est seul sur un fond dénudé. Durant les XVIIe et XVIIIe siècles, Vélasquez ne fut connu et apprécié qu’en Espagne. La connaissance et le goût pour cet artiste à l’étranger ne furent possibles qu'à partir du XIXe quand fut ouvert le Musée du Prado. Au retour d’un bref séjour à Madrid en 1865, Manet écrira à Baudelaire : « Vélasquez est le plus grand peintre qu’il ait jamais eu. »
Iconographie du rapt amoureux de l’antiquité à nos jours. Laissez-moi vous ravir
L’iconographie du rapt amoureux de l’antiquité à nos jours. Laissez-moi vous ravir en une heure … Le désir sexuel dans les oeuvres d’art est souvent représenté par le rapt amoureux : enlèvement des Sabines, enlèvement de Proserpine, enlèvement d’Europe … Ces thèmes ont permis aux artistes de déployer leur virtuosité dans la représentation des mouvements opposés, des muscles contractés et de la fuite contrariée. Dans ce mélange de sexe et de violence, la qualité de victime n’est pas toujours reconnue à la femme enlevée. La femme a séduit l’homme par ses charmes, son corps voluptueux a excité le désir de l’homme. L’homme n’est donc pas entièrement responsable. Dans le rapt amoureux, le désir laisse souvent la place au crime. La polysémie du mot « ravissement » entre violence et jouissance, révèle toute l’ambiguïté aisément entretenue par les artistes.
Le Massacre des Innocents de Poussin aux cris d'horreur des conflits actuels
Cette oeuvre représente une scène du « Massacre des Innocents » issue du Nouveau Testament. Nicolas Poussin s’est inspiré de plusieurs oeuvres de Raphaël, du Caravage et de Guido Reni. Contrairement à ces derniers, il limite le nombre des protagonistes et réduit sa palette aux couleurs primaires. Sa composition se construit autour du massacre d’un seul innocent par un soldat, et se focalise sur le cri de douleur d’une femme qui cherche à arrêter le meurtre de son enfant couché au sol. De nombreux artistes du XVIIIè siècle à nos jours tels que Picasso, Francis Bacon, puis Vincent Corpet, Jean-Michel Alberola et Annette Messager, interprèteront cette scène dramatique à leur manière. La presse se fera l’écho de photographies de massacres les plus récents au Moyen-Orient et lors du naufrage du petit Aylan retrouvé mort sur la plage. L’image de Poussin répond à celle de la barbarie, de la cruauté et finalement des souffrance liées à la guerre. La scène du « Massacre des Innocents » demeure un thème intemporel et universel.
Paula Modersohn-Becker, artiste singulière. Sa vie, c’est celle d’une comète
L’une des précurseurs du mouvement expressionniste, elle sera la première femme à se peindre nue, et à se peindre nue enceinte. Née à Dresde en 1876, elle rejoindra très vite les artistes indépendants dans le petit village de Worpswede au nord de Brême. Elle exercera pendant une douzaine d’années son art en peignant des femmes et des enfants de la paysannerie de façon frontale et poignante. Le 1er janvier 1900, elle fuira son village pour se rendre à Paris à la rencontre d’artistes tels que Gauguin, Modigliani, Cézanne ou Rousseau pour y intégrer des ateliers privés. Ses séjours répétés à Paris créeront chez elle une tension entre devoir de conjugalité et besoin de liberté. Elle ne disposera pas assez de temps pour peindre, malgré les 750 toiles et le millier de dessins qu’elle réalisera. Elle décédera en 1907 à l’âge de 31 ans peu après son accouchement. En s’écroulant, elle dira « Schade ! » (dommage). Ce sera son dernier mot.
Edvard Munch, l’œil moderne …
Edvard Munch (1863-1944) est un peintre et graveur norvégien, précurseur de l’expressionnisme. Il se montrera résolument moderne dans son oeuvre et dans son regard sur la société contemporaine. Dans sa jeunesse il sera très vite confronté à la mort de sa mère et de sa soeur aînée. A l’âge adulte d’autres femmes, telles que Milly Thaulow ou Tulla Larsen, influenceront sa vie et sa carrière. Avec elles, il entretiendra des relations amoureuses tumultueuses parfois violentes. En mai 1930, il sera victime d’une hémorragie rétinienne. A travers son œil malade, il retranscrira sa vision de corps flottants dans ses tableaux au motif abstrait. Plus tard, les nazis jugeront son œuvre « art dégénéré » et retireront ses tableaux des musées allemands. Tout au long de sa vie, il n’aura de cesse de représenter dans ses toiles l’angoisse et la solitude humaines, alors tiraillé entre des forces créatrices et destructrices. Il insistait avant tout à exprimer ce qu’il ressentait. « Nous ne mourrons pas, c’est le monde qui meurt pour nous » seront ses derniers mots peu avant sa disparition en janvier 1944, la même année que Piet Mondrian et Vassily Kandinsky.
Madeleine, Joseph, Laure … le modèle noir dans la peinture du XXe siècle
Porté par trois moments forts, le temps de l'abolition de l'esclavage (1794-1848), le temps de la Nouvelle peinture (Manet, Bazille, Degas, Cézanne) et le temps des premières avant-gardes du XXe siècle tels que Matisse, le sujet du modèle noir a été trop longtemps négligé : la contribution importante de personnes et de personnalités noires a marqué l'histoire des art. Jusqu’en 1848, les noirs n’auront pas de nom, pas plus qu’ils n’auront de droits. Théodore Géricault ne dit rien des femmes et hommes de couleur qu'il fit poser, mais nous savons qu'il eut recours au célèbre modèle Joseph, originaire d’Haïti dans son oeuvre iconique « Le Radeau de la Méduse. » Joseph incarne le marin torse nu, agitant au sommet du tonneau le foulard du dernier espoir collectif. La peintre française Marie-Guillemine Benoist peindra en 1800 le portrait d’une jeune femme noire tout d’abord nommé « Portrait d’une négresse », renommé « Portrait d’une femme noire » puis « Portrait de Madeleine » tout récemment. Pour elle, c’est une nouvelle vie qui commence.
Marie-Madeleine ! Qui a dit que l’on ne pouvait pas la voir en peinture …
Marie-Madeleine, l’une des figures les plus énigmatiques de la Bible, suscite le plus de fantasme. Elle a fortement imprégné la culture occidentale au Moyen Âge. Modèle de repentir et modèle féminin pour l’Eglise, elle demeure une figure de sainteté plus accessible que la Vierge Marie. De nombreux artistes tels que Titien, le Caravage, George de La Tour, El Greco ou Delacroix n'ont cessé d'être inspirés par ce personnage biblique ambigu à la fois pécheresse et repentante, voluptueuse et ascète, mondaine et ermite. Elle est décrite de façons différentes, mais ce qui revient sans cesse est sa magnifique chevelure rousse. La rousseur chez une femme est symbole de passion, de fougue et d'érotisme, et surtout une iconographie purement volontaire. Elle est perçue comme un objet de convoitise. Beauté du corps et beauté de l'âme sont réunies dans cette sainte qui, depuis bien longtemps, a franchi le seuil de la religion pour investir le champ des arts et des lettres au XIXe siècle. Certains excès ont été dénoncés. Un renouveau de l’art religieux rompt avec les canons traditionnels. « Le repas chez Simon le Pharisien » de Jean Béraud en 1891 en est un bel exemple. Marie-Madeleine surgit en demi-mondaine notoire entourée de personnalités politiques et littéraires contemporaines …
Pentathlon des Muses … quand les JO étaient artistiques
Pierre de Coubertin (1863-1937), fondateur des Jeux Olympiques modernes, souhaitait associer l’art au sport. En miroir à la devise « mens sana in corpore sano », il répondait avec plus d’enthousiasme : « un esprit ardent dans un corps musclé. » Naîtra ainsi « Le Pentathlon des muses » réparti en cinq catégories : la peinture, la sculpture, l’architecture, la littérature et la musique. Lors des JO de 1912 à Stockholm, une trentaine d’artistes présenteront des œuvres d’art originales inspirées par le sport. Lors des JO de Paris en 1924, plus de 190 candidats exposeront leurs œuvres. En 1932 les JO de Los Angeles remporteront un vif succès avec 380.000 visiteurs au Musée des Sciences, de l’Histoire et de l’Art. En 1949, les compétitions artistiques seront supprimés et remplacés par une exposition sans prix ni médailles. L’artiste franco-iranienne Marjane Satrapi a dévoilé sa tapisserie (9x3m) à la Manufacture des Gobelins. Pièce emblématique des JO, elle sera bientôt exposée à l’Hotel de la Marine. Etienne Aubert, conférencier de l’art Contact : aubert.etienne@orange.fr
Révolution et scandales de l’histoire de l’art de Giotto à Manet …
Giotto, initiateur de la Renaissance Italienne, scandalisera le monde de l’art dans sa rupture avec la tradition byzantine. Véronèse choquera le monde religieux avec son tableau « Le repas chez Levi » à l’origine intitulée « La Cène ». Se succèderont d’autres artistes audacieux tels que le Caravage, Artemisia Gentileschi, Paul Véronèse, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Francisco de Goya, Gustave Courbet puis Edouard Manet notamment avec son Olympia et son Déjeuner sur l’herbe. Tous auront à cœur de provoquer leurs contemporains. On ne fait rien sans scandale.
Faussaires de génie, experts et marchands d'art sulfureux. Que fait la police ?
Les premiers faux datent de l'Empire romain. De Michel-Ange lui-même à Cesare Tubino apparaissent de nombreux mystificateurs. Les faussaires ont tous des personnalités énigmatiques. Mark Landis est devenu faussaire d’art non pas par goût mais plutôt par esprit philanthropique, ou par névrose. Han van Meegeren, peu reconnu dans son art, sera l’un des plus grands faussaires de Vermeer. Il parviendra même à vendre un faux Vermeer au pillard Göering pendant le Seconde Guerre mondiale. Les affaires Beltracchi, Greenhalgh, Ribes, Legros et bien d’autres défrayeront les chroniques de ces dernières décennies. Un faussaire travaille rarement seul. Le plus grand talent nécessite la mise en place d’un réseau pour blanchir et donner un pedigree à des œuvres contrefaites. Le faussaire s’associe donc avec des aigrefins qui feront office d’expert, de courtier ou de marchand. « Sans les faussaires, le monde serait bien triste », dira Paul Valery.
Expressionnisme allemand : Kirchner, Macke, Kandinsky … Expressionnant, non !
Au début du XXe siècle, ce mouvement profondément ancré dans l'Europe du Nord est une réaction à l'impressionnisme français qui était encore à décrire la réalité physique. L'expressionnisme allemand lui ne s'attache plus à cette réalité et la soumet aux états d'âme de l'artiste. Il cherche davantage à exprimer le monde qu’à véritablement le montrer. Le « cri » de Munch est la première référence pour les deux groupes de peintres allemands : « Die Brücke » et « Der Blaue Reiter ». Cet art s’oppose à l’art officiel protégé par Guillaume II. Ce nouveau mouvement artistique est à la fois fasciné et épouvanté par les rythmes de la ville et de la modernité. Il reflète une vision pessimiste de la réalité à la vieille de la 1ère Guerre Mondiale. En 1937, les nazis organisent à Munich une grande exposition d’ « art dégénéré », qu'ils présentent comme une peinture subversive. Cette épuration des arts ne rencontra pas de résistance majeure dans la population, et provoqua l'exil des plus grands créateurs.
L’art Ensor ! Appelez-moi Ensor. James Ensor …
« Mon enfance a été peuplée de rêves merveilleux et la fréquentation de la boutique de la grand’mère toute irisée de reflets de coquilles et des somptuosités des dentelles, d’étranges bêtes empaillées et des armes terribles de sauvages m’épouvantaient. » Des masques, fantômes, crânes, squelettes et autres figures macabres qui se juxtaposent en de bizarres arrangements : l’oeuvre de l’artiste belge James Ensor (1860 - 1949) est grotesque, ironique, parfois agressive et provocateur, mais toujours portée par un humour profond. Ensor à ses débuts s’est adonné au pleinairisme et fut un compagnon de route du réalisme européen et du naturalisme. Dans un deuxième temps, il a développé une variante spécifiquement belge du symbolisme. Dans sa phase de création la plus connue, le grotesque devient la caractéristique principale de son art. C’est un précurseur le l’expressionnisme. En 1933, il est proclamé « Prince des peintres » ; il mourra couvert d’honneurs, mais ceux-ci semblent lui avoir échu trop tard.
Comme toutes leurs œuvres éphémères, vous serez vite emballés
En plus de 50 ans, Christo (décédé en 2020) et son épouse (décédé en 2009), ont réalisé 22 oeuvres monumentales. Toutes sont des œuvres éphémères que des millions de visiteurs pourront admirer pendant environ deux semaines, alors qu'il a parfois nécessité plus de vingt cinq ans à obtenir les autorisations. A son habitude, Christo autofinance l'emballage par la vente de ses croquis et collages, refusant tout sponsor privé comme toute subvention publique. D'autres projets sont restés dans les cartons, faute d'autorisations. " Nous avons abandonné certains projets, confie l'artiste, mais d'autres sont restés dans notre coeur et notre esprit. » Après avoir créé des forêts de parapluies, emballé le Reichstag et le pont Neuf, habillé Central Park de safran, édifié des pontons flottants sur le lac italien d'Iseo, Christo avait pour projet une installation de 410.000 barils de pétrole installée en plein désert à Abou Dhabi, inspirée des monuments funéraires égyptiens. Si ce projet lancé en 1977 était réalisé, il deviendrait alors la seule oeuvre permanente du couple.
Ignoré, moqué, incompris, mystérieux … Cézanne, ouvre toi !
Cézanne est le prototype de l'artiste maudit. La reconnaissance est venue sur le tard, à l'âge de 56 ans, alors qu'il ne l'attendait plus. Lorsque, en 1895, sur les conseils de Pissarro et de Renoir, ses amis, un jeune marchand ambitieux, Ambroise Vollard, lui consacre sa première rétrospective à Paris. Cézanne avait encore onze années à vivre. Ce qu'il aime, c'est mener une vie calme et laborieuse, travailler sans relâche sur le motif ou dans son atelier, pour réaliser portraits, paysages ou natures mortes. Cet artiste secret et sauvage apparaît en tout cas comme un mystère. Le peintre va devenir un héros, un martyr victime de l'incompréhension de ses contemporains. Il ouvre ensuite la voie de la modernité. Du cubisme au fauvisme et à l'abstraction, les grands courants du XXe siècle se réclameront du peintre aixois. « C'est notre père à tous » dira Picasso. Au cours du XXe siècle, les plus grands musées internationaux ont acquis des toiles du maître. Et le marché n'a cessé de le sanctifier. Il figure aujourd'hui dans le club très fermé des artistes impressionnistes les plus chers au monde.
Nicolas de Staël … dans la lumière de son vertige
Dès son adolescence, Nicolas de Staël, émerveillé face à la beauté du monde, est à la recherche de la lumière y compris au fond du noir. Cet immigré russe, adopté à l’âge de huit ans par une famille à Bruxelles, part en août 1936 pour le Maroc. Le premier mot qu’il écrit dans son carnet de voyage est clarté. Enivré de lumière, il y reste presque un an. Il s’est toujours octroyé la liberté de ne pas choisir entre le figuratif et l’abstrait alors que naissait à cette époque la polémique entre les peintres de l’abstraction et de la figuration. Lors de sa courte carrière de quinze années de labeur, il peint plus de mille tableaux et autant de dessins, des portraits, des paysages, d’immenses formats comme de minuscules tableaux. Il effectue des gravures sur bois pour la réalisation d’un livre de Poèmes illustré par ses soins en collaboration avec son ami René Char. Nicolas de Staël a besoin de choc pour ensuite se retirer dans son atelier et peindre. C’est le cas pour la série des Footballeurs au Parc des Princes en mars 1952, ou bien celle des Agrigente lors de son séjour en Sicile l’été 1953. « On ne peint jamais ce qu’on voit ou croit voir. On peint à mille vibrations le coup reçu », dit-il. Dans la nuit du 16 mars 1955, il est seul, épuisé par la fatigue du travail accompli. Il se rend sur la terrasse de son atelier. Face à lui, le Fort-Carré d’Antibes. « Mais le vertige, j’aime bien cela, moi. J’y tiens parfois à tout prix, en grand », écrit-il en 1954 à son ami poète Pierre Lecuire.
Rouge comme Rothko
L’un des artistes emblématiques du XXe siècle, symbole de l’expressionnisme abstrait, Marc Rothko nous invite d’emblée dans une rêverie mystique et une extase méditative comme nul autre. Selon lui, « l’expérience tragique et exaltante est pour moi la seule source d’art. » Ses premières oeuvres sont d’abord figuratives, puis mythologiques, surréalistes, « multiformes » pour enfin atteindre le sublime dans l’abstraction. C’est précisément dans les années 50 que sa carrière démarre notamment grâce au collectionneur Duncan Philips qui lui achète de nombreux tableaux et lui consacre une salle entière. Rothko détestait l’idée que les visiteurs puissent être dérangés par d’autres oeuvres que les siennes. Sa rencontre en 1964 avec Jean et Dominique de Ménil, philanthropes et collectionneurs franco-américains, le propulsera dans la sublimation de sa carrière vers le spirituel. La Chapelle Rothko à Houston (Texas) sera son dernier grand projet d’artiste, une épiphanie de l’art abstrait. Si le succès est pourtant fulgurant, Mark Rothko se donnera la mort en 1970 dans son atelier de Manhattan. « Peut-être se sentait-il rejeté par un monde de l’art dont les goûts éphémères s’étaient tournés vers des artistes plus jeunes et médiocres. »
Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur "L'Origine du Monde" après Courbet
Gustave Courbet a plus de 200 ans aujourd’hui et il est bien vivant ! Son plus célèbre tableau peint en 1866, « L'Origine du Monde » sera vendu au richissime diplomate ottoman et grand collectionneur d'art, Khalil-Bey. Mais savez-vous dans quelles conditions surprenantes ? Deux ans plus tard, ruiné par le jeu, les femmes et son train de vie somptuaire, ce dernier vendra sa collection de tableaux. De retour alors à Constantinople, il épousera la Princesse Nazli qui deviendra l’une des figures titulaires de l’émancipation de la femme arabe. En quelques grands jalons, je vous conterai l'histoire et l’itinéraire de ce sulfureux tableau. Il passera de main en main de 1868 à 1954, date à laquelle Jacques Lacan en fera l'acquisition dans la plus grande discrétion. Ce légendaire chef d’oeuvre fera enfin son entrée au musée d’Orsay en 1995. De nombreux artistes contemporains interpréteront à leur manière l’oeuvre de Courbet. Dernier coup de théâtre en 2018 ! Ce tableau a aujourd'hui un visage et un nom après plus de 150 ans de scandales, de censures et de fantasmes.
Spéctacle-conférence autour de Gustave Courbet
Mercredi 16 février 2022 à 19 h, Chatelet, Paris 2e : Spectacle-conférence inédit sur scène autour de Gustave Courbet Conférence-spectacle Etienne Aubert, conférencier d'art *** Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur « L'Origine du Monde » de Gustave Courbet et que j'oserai vous conter *X Spectacle inédit ! Vous disposez d'une salle équipée d'un écran géant (ou non), je me déplace en France et à l'étranger. intervention en langue française ou anglaise durée : 1h15 + débat On y apprend beaucoup de l'art et de l'histoire de l'art ... sous le signe de Phumour
Conférence-show sur "L'Origine du Monde" de Gustave Courbet
Représentation du mercredi 16 février 2022 à 19h, Salle Jean Dame, 17 rue Léopold Bellan, 75002 Paris
Stand up culturel et humoristique sur L'Origine du Monde de Gustave Courbet
stand up culturel et humoristique
Piero della Francesca, peintre et mathématicien du quattrocento
conférence d'art avec projection
Du « Massacre des Innocents » de N. Poussin aux photos de conflits actuels
Du « Massacre des Innocents » de Nicolas Poussin aux photographies du cri le plus poignant d’une mère face à l’horreur des conflits actuels Cette oeuvre représente une scène du « Massacre des Innocents » issue du Nouveau Testament. Poussin s’est inspiré de plusieurs oeuvres de Raphaël, du Caravage et de Guido Reni. Contrairement à ces derniers, il limite le nombre des protagonistes et réduit sa palette aux couleurs primaires. Sa composition se construit autour du massacre d’un seul innocent par un soldat, et se focalise sur le cri de douleur d’une femme qui cherche à arrêter le meurtre de son enfant couché au sol. De nombreux artistes du XVIIIè siècle à nos jours tels que Picasso, Francis Bacon, puis Vincent Corpet, Jean-Michel Alberola et Annette Messager, interprèteront cette scène dramatique à leur manière. La presse se fera l’écho de photographies de massacres les plus récents au Moyen-Orient et lors du naufrage du petit Aylan retrouvé mort sur la plage. L’image de Poussin répond à celle de la barbarie, de la cruauté et finalement des souffrance liées à la guerre. La scène du « Massacre des Innocents » demeure un thème intemporel et universel.
Déconfinez-moi, déconfinez-moi ! Oui, mais pas trop vite
C’est ce qu’aurait soufflé Veronica Franco, courtisane et poétesse renommée de la Venise du XVIe, à l’oreille du roi Henri III de France lors de son bref séjour à Venise. C’est ce qu’aurait suggéré Sarah Goodridge, miniaturiste américaine du XIXe, à Daniel Webster, son amant, en lui offrant son autoportrait intitulé « Beauty Revealed », représentant ses seins sur une miniature aquarellée sur ivoire. C’est ce que « La Venus au miroir » de Diego Velasquez aurait imploré auprès de son fils Cupidon et auprès du regardeur/voyeur afin que son visage soit enfin dévoilé. C’est ce que réclamait le « Big Baby II » de Ron Mueck, alors qu’il était confiné depuis déjà neuf mois dans le ventre de sa mère, … … et bien d’autres anecdotes amusantes et surprenantes du monde de l’art qui ne manqueront pas de vous distraire après ce déconfinement tant attendu. Au « memento mori », répondez « carpe diem. » Et vous, déconfinez-vous !
Racont'Arts : Anecdotes surprenantes et désopilantes du monde de l'art
Florilège d’anecdotes surprenantes et désopilantes du monde de l’art Savez-vous dans quelles conditions la Piéta de Michel-Ange, la Vénus au miroir de Velasquez, La Ronde de Nuit de Rembrandt et l'urinoir de Marcel Duchamp ont été vandalisés par des déséquilibrés ? Est-il vrai que notre Reine de France Marie-Antoinette, aurait fait faire un moulage de son sein pour réaliser le « bol sein » aussi appelé « jatte téton » destiné à la dégustation du lait pour la laiterie de Rambouillet ? Quelle est encore l'origine du mot « bourdaloue » une sorte de pot de chambre oblong que les femmes dévotes utilisaient au XVIIe siècle lors de longs sermons qui faisaient souffrir leurs vessies. Enfin vous souvenez-vous de « La Mort de Marat » de Jacques-Louis David ? Comment aurait-il pu croquer sur le vif, la dépouille gisante dans une baignoire encore fumante avec un réalisme fascinant. Beaucoup d’autres anecdotes surprenantes et parfois désopilantes du monde de l'art ne manqueront pas de vous interpeller.
La crucifixion dans l'histoire de l'art. La croix et la manière !
La crucifixion dans l'histoire de l'art. La croix et la manière ! Sait-on que l'on doit aux Perses, au Ve siècle avant notre ère, le supplice de la crucifixion ? C’était, hélas, un mode de supplice bien banal à l’époque. Soixante et onze ans avant notre ère, la révolte des esclaves sous la conduite de Spartacus se solda par la crucifixion d’environ 6000 personnes. Pour tous ceux qui avaient eu l’occasion d’assister à ce supplice, la croix représentait un objet d’horreur. Cela a duré plusieurs siècles, jusqu’à l’interdiction de la crucifixion par Constantin vers 320. C’est probablement cela qui explique l’extrême rareté des crucifix dans les premiers siècles. Il faudra attendre le Ve siècle pour voir des crucifix, et encore représentent-ils Jésus habillé "posé" sur une croix. Ce n’est qu’à partir du moyen-âge que sont apparus les crucifix tels que nous les connaissons aujourd’hui. Des peintures classiques aux oeuvres contemporaines, les représentations de la crucifixion ont depuis toujours déchaîné les passions.
Pierre Bonnard, inclassable coloriste. Du bon art tout simplement !
Pierre Bonnard, inclassable coloriste. Du bon art tout simplement ! « Je ne suis d’aucune école, je cherche uniquement à faire quelque chose de personnel », dira Pierre Bonnard, le nabi japonard. Il nous offre ses couleurs qu’il manipule à la perfection : des rouges incandescents, des oranges à croquer, des mauves irréels, des jaunes éblouissants... il est le maître virtuose de la lumière. Il a composé l'essentiel de ses œuvres dans sa maison de Vernonnet en Normandie et dans celle du Cannet sur la Côte d'Azur, loin de l'agitation parisienne. Il a peint toute sa vie des paysages, des portraits, des scènes intérieures. Des nus, encore des nus. Dans un jeu de miroirs, de belles femmes mystérieuses apparaissent. Marthe n’est pas la seule ... Pierre Bonnard est un introspectif, parfois enjoué, parfois inquiet ainsi quand il se représente sous les traits d'un boxeur. Etienne Aubert Conférencier d'art
Le « dernier tableau » d'artistes célèbres !
Le « dernier tableau » d'artistes célèbres ! Jeune ou vieux, la mort frappe au débotté Il n'y a pas de règle et encore moins de justice. La mort survient prestement, quel que soit l'âge et l'état de santé de l'artiste peintre. Il disparaît dans ses vingt ans ou au-delà de quatre-vingt-dix, d'un trépas parfois accidentel comme Signorelli tombant d'un échafaudage, ou parfois attendu comme Cézanne rongé par le diabète écrivant cette lettre : « Mon cher Bernard, je suis vieux, malade, et je me suis juré de mourir en peignant. » Certains « derniers tableaux » se lisent comme les témoignages d’artistes qui voient la mort se profiler à l’horizon. Nicolas de Staël réalisera ainsi une dernière œuvre monumentale, testamentaire même, en guise de dernière lettre avant la mort qu’il allait se donner lui-même. Mais le dernier tableau est parfois aussi l’espace où chanter la vie, où le peintre fait fi des apparences et se représente vigoureux encore, à l’instar d'un Malevitch malade qui, jusqu’à sa mort, aura été veillé par ses toiles. À défaut de « belle mort », tous ces peintres auraient au moins pu se targuer d’avoir pour eux de beaux derniers tableaux... Que nous dit l’ultime toile du peintre qui y a consacré ses derniers jours ?
Le « dernier tableau » d'artistes célèbres !
Le « dernier tableau » d'artistes célèbres ! Jeune ou vieux, la mort frappe au débotté Il n'y a pas de règle et encore moins de justice. La mort survient prestement, quel que soit l'âge et l'état de santé de l'artiste peintre. Il disparaît dans ses vingt ans ou au-delà de quatre-vingt-dix, d'un trépas parfois accidentel comme Signorelli tombant d'un échafaudage, ou parfois attendu comme Cézanne rongé par le diabète écrivant cette lettre : « Mon cher Bernard, je suis vieux, malade, et je me suis juré de mourir en peignant. » Certains « derniers tableaux » se lisent comme les témoignages d’artistes qui voient la mort se profiler à l’horizon. Nicolas de Staël réalisera ainsi une dernière œuvre monumentale, testamentaire même, en guise de dernière lettre avant la mort qu’il allait se donner lui-même. Mais le dernier tableau est parfois aussi l’espace où chanter la vie, où le peintre fait fi des apparences et se représente vigoureux encore, à l’instar d'un Malevitch malade qui, jusqu’à sa mort, aura été veillé par ses toiles. À défaut de « belle mort », tous ces peintres auraient au moins pu se targuer d’avoir pour eux de beaux derniers tableaux... Que nous dit l’ultime toile du peintre qui y a consacré ses derniers jours ?
Francis Bacon, peintre de "viande" et Lucian Freud, peintre de "chair"
Francis Bacon, peintre de "viande" et Lucian Freud, peintre de "chair" mais tous deux frères de sang Dans ses débuts Balthus trouvera son inspiration dans les œuvres de la Renaissance italienne notamment dans celles de Piero della Francesca et de Masaccio. Très vite il donnera cours à ses obsessions érotiques en prenant pour modèle de petites jeunes filles nubiles, lascives et à moitié endormies. Ses paysages et ses natures mortes sont d’une facture hors pair. Il a peint des groupes mystérieux, une rue où défilent des automates de rêve ; il a réalisé des portraits concentrés. Le poète Antonin Artaud disait de la peinture de Balthus qu'elle sentait « la peste, la tempête, les épidémies ». L’ambiguïté est une composante majeure de l’esthétique de Balthus. Tout au long de sa vie, il n’aura de cesse de forger sa propre légende. Quatorze ans après sa mort, les galeries s'arrachent ses peintures. Son œuvre n'a rien perdu de sa trouble séduction. Etienne Aubert Conférencier d'art
Balthus, comte Balthasar Klossowski de Rola et roi des chats. Mythe ou réalité ?
Balthus, comte Balthasar Klossowski de Rola et roi des chats. Entre mythe et réalité ! Dans ses débuts Balthus trouvera son inspiration dans les œuvres de la Renaissance italienne notamment dans celles de Piero della Francesca et de Masaccio. Très vite il donnera cours à ses obsessions érotiques en prenant pour modèle de petites jeunes filles nubiles, lascives et à moitié endormies. Ses paysages et ses natures mortes sont d’une facture hors pair. Il a peint des groupes mystérieux, une rue où défilent des automates de rêve ; il a réalisé des portraits concentrés. Le poète Antonin Artaud disait de la peinture de Balthus qu'elle sentait « la peste, la tempête, les épidémies ». L’ambiguïté est une composante majeure de l’esthétique de Balthus. Tout au long de sa vie, il n’aura de cesse de forger sa propre légende. Quatorze ans après sa mort, les galeries s'arrachent ses peintures. Son œuvre n'a rien perdu de sa trouble séduction.
Histoire et vie des seins dans l’art
Histoire et vie des seins dans l’art De tout temps, les artistes n’ont cessé de les dévoiler. Emblèmes de la sensualité et de la maternité, les seins fascinent les hommes et nourrissent les bébés. La statuette de pierre de la Venus de Willendorf, vieille de plus de vingt-cinq millénaires, exhibait un ventre surdéveloppé aux seins monumentaux. En puisant dans la mythologie, la Bible et l'histoire romaine, les artistes ont toujours fait appel à des modèles célèbres dont l’exhibition de la nudité assure le succès de l’oeuvre. Très souvent le modèle l’emporte sur le sujet. Plus tard, de nombreux artistes européens tels que Tintoret, Rubens, Caravage, Mellin ou Greuze réaliseront des scènes émouvantes, celles de la Charité romaine, du suicide de Lucrèce ou des tortures infligées à Agathe. L'une des plus célèbres femmes dénudées, portant le drapeau français et "guidant le peuple" symbolise à elle seule le pouvoir esthétique et politique du sein nu. Les Femen n’ont fait que l’imiter. Que serait l’histoire elle-même sans les seins ? ou les saints d’ailleurs, mais ce n’est pas le sujet ... Etienne Aubert Conférencier d'art
Gustav Klimt. Sexe e(s)t désir. Oh mon Dieu, c'est à Freud !
Gustav Klimt. Sexe e(s)t désir. Oh mon Dieu, c'est à Freud ! Gustav Klimt vit entouré de femmes dont il croquait la pose dans son atelier. Il les représente nues, sensuelles, indépendantes, vieilles parfois, érotiques voire très équivoques. Elles semblent revêtir un danger pour l’ordre « viril » de cette Vienne poussiéreuse fin de siècle. L’énigme du féminin, qui le fascine jusqu’à l’obsession”, le rapproche de Sigmund Freud. Tout comme ce dernier, sa réaction à la société conformiste et suffocante va bouleverser les codes. En rupture avec l’académisme de l’empire austro-hongrois, il ne manquera pas de choquer les viennois avec « la frise Beethoven » exposée au Palais de la Sécession en 1902. Qu’importe s’il est banni des autorités officielles. Les richissimes viennois lui réclament des portraits de leurs épouses. Il se consacre aussi à la peinture de paysages aux couleurs vives lors de ses séjours sur les rives de l’Attersee avec Emilie Flöge, sa muse secrète et discrète. Il peint ses paysages avec le même frémissement, la même sensualité qu’il met dans ses portraits féminins. Il est proche du pointillisme de Seurat, Van Gogh et Bonnard. On ne sait presque rien de lui. Il n’existe aucune correspondance. "Quiconque désire me connaître comme artiste, et c'est tout ce qui compte vraiment, doit regarder attentivement mes tableaux et tenter d'y glaner ce que je suis et ce que je veux », dira Gustav Klimt.
La représentation de l'image de la femme du paléolithique à nos jours
La représentation de l'image de la femme du paléolithique à nos jours De drôle de dames que les Vénus de Lespugue et de Willendorf du paléolithique supérieur ! Qui seront les premiers artistes à représenter un nu féminin en sculpture et en peinture ? Dans quel curieux récipient la Reine Marie- Antoinette buvait-elle son lait ? Pourquoi l'artiste animalière Rosa Bonheur avait-elle besoin d'un permis pour quitter son atelier ? Pourquoi Gustav Klimt deviendra le portraitiste des femmes de la grande bourgeoisie aisée de Vienne au tournant du XIXe et du XXe siècle ? Enfin comment Philipp Halsman, photographe de mode et portraitiste, faisait « sautiller de joie » ses modèles aussi célèbres que Marilyn Monroe, Grace Kelly ou bien le Duc et la Duchesse de Windsor ? Ici les œuvres vous livrent leurs dessous souvent méconnus du public.
La toilette, intimité du nu, dans l'histoire de l'art
La toilette, intimité du nu, dans l'histoire de l'art Comment l’art a-t-il mis en scène les us et coutumes hygiéniques au gré du temps ? Peintures, gravures, photographies, sculptures parcourent les âges du XIVe siècle à nos jours. Les images esquissent une histoire du corps, des mœurs, des rituels dans un dialogue entre hygiène et intimité. La toilette n’est que prétexte à la nudité. Manet, Degas et Bonnard imposeront l’image du nu quotidien, femmes à leur toilette, corps mis à nus. Ils décrivent une pratique nouvelle, la toilette, l’évolution de rituels corporels et l’apparition d’un espace qui leur est dédié. Un lieu se ferme, des gestes s’inventent. L’individu s’approprie un temps n’appartenant qu’à lui. Dès la fin de la seconde guerre mondiale, l’eau courante poursuit sa lente conquête dans l’habitat particulier. La salle de bain est le lieu de ce nouveau rituel, popularisé par les beautés de la photographie publicitaire. Le thème de la toilette offre aux avant-gardes l’occasion de rendre compte, par des formes déstructurées, de souffrances intimes et collectives. Le XXIème siècle entraine le motif de la toilette dans une société de consommation entre intimité et exhibition.
Iconographie du rapt amoureux de l'antiquité à nos jours. Laissez-moi vous ravir
Iconographie du rapt amoureux de l'antiquité à nos jours. Laissez-moi vous ravir en une heure ! Le désir sexuel dans les oeuvres d’art est souvent représenté par le rapt amoureux : enlèvement des Sabines, enlèvement de Proserpine, enlèvement d’Europe ... Ces thèmes ont permis aux artistes de déployer leur virtuosité dans la représentation des mouvements opposés, des muscles contractés et de la fuite contrariée. Dans ce mélange de sexe et de violence, la qualité de victime n’est pas toujours reconnue à la femme enlevée. La femme a séduit l’homme par ses charmes, son corps voluptueux a excité le désir de l’homme. L’homme n’est donc pas entièrement responsable. Dans le rapt amoureux, le désir laisse souvent la place au crime. La polysémie du mot « ravissement » entre violence et jouissance, révèle toute l’ambiguïté aisément entretenue par les artistes.
Tout ce que vous avez voulu savoir sur "L' Origine du Monde" de Courbet
Tout ce que vous avez voulu savoir sur "L'Origine du Monde" de Courbet ... et que j'oserai vous conter Gustave Courbet a deux cents ans aujourd'hui et il est bien vivant Son plus célèbre tableau peint en 1866, "L'Origine du monde", sera vendu au richissime diplomate ottoman et grand collectionneur d'art, Khalil-Bey. Mais savez-vous dans quelles conditions surprenantes ? Deux ans plus tard, ruiné par le jeu, les femmes et son train de vie somptuaire, il vendra sa collection de tableaux. En quelques grands jalons, je vous conterai l'histoire et l’itinéraire de ce sulfureux tableau. Il passera de main en main de 1899 à 1955, date à laquelle Jacques Lacan en fera l'acquisition dans la plus grande discrétion. Dernier coup de théâtre en 2018 ! Ce tableau a aujourd'hui un visage et un nom après 150 ans de scandales, de censures et de fantasmes.
Art contemporain. Art ou non-art. A vous de choisir !
Comment et pourquoi un urinoir devient une œuvre d’art en 1917. Le « ready-made » de Marcel Duchamp fait scandale. Un objet détourné de sa fonction utilitaire devient œuvre d’art par la volonté de l’artiste. Dans les années 50, s’inspirant de Duchamp, nait le mouvement « Pop Art » dont Robert Rauschenberg et Jasper Johns, puis Andy Warhol seront les précurseurs. Les caractéristiques sont les suivantes : populaire, éphémère, jetable, bon marché, produit en masse, sexy, fascinant … et qui rapporte gros. Dans les années 90, deux artistes contemporains feront l’actualité et la polémique : Damien Hirst et Jeff Koons. Ce dernier clamera haut et fort : « l’art est la faculté de manipuler les gens ». Tous deux porteront cet art au niveau d’une industrie attirant les nouveaux riches de cette planète. La querelle n’est pas éteinte. Elle est stimulée par l’explosion des prix, la spectacularisation des propositions et le soutien d’institutions renommées, comme l'illustrent « les installations » parfois controversées au château de Versailles et dans les foires internationales d’art contemporain. Mais quel est l’avenir de l’art contemporain ?
conférencier d'art
Conférences d'art du paléolithique supérieur à l'art contemporain via la Renaissance Italienne, avec projection animées par Etienne Aubert, conférencier Proposition d'une trentaine de conférences (thématiques et monographies) A l'intention des instituts privés et publics A l'intention des centres culturels A l'intention des galeries d'art A l'intention des entreprises dans le contexte événementiel : projection sur grand écran ou sur façade d'un monument. Durée de la présentation et choix des oeuvres d'art sur mesure à définir avec le décideur Autre activité : « Art chez mes Salonnières »: Conférences d’art à domicile animées par Etienne Aubert, fondateur tél : +33 612 211 123 e-mail : aubert.etienne@orange.fr 01 : Art contemporain. Art ou non-art ? A vous de choisir 02 : L’iconographie du rapt amoureux de l’antiquité à nos jours. Laissez-moi vous ravir ! 03 : L'émancipation de la femme dans l'art fin de siècle 04 : La toilette, intimité du nu, dans l’histoire de l’art 05 : La représentation de la femme dans l'art du paléolithique à nos jours 06 : Gustav Klimt. Sexe e(s)t désir. Oh mon Dieu, c’est à Freud ! 07 : Pierre Bonnard, inclassable coloriste. Du bon art tout simplement 08 : Balthus, comte Balthasar Klossowski de Rola et roi des chats. Entre mythe et réalité ! 09 : Scènes de crime dans les tableaux du Louvre. Que personne ne sorte ! 10 : Venez chez moi, je vous montrerai l'influence des estampes japonaises sur l'art occidental dès le XIXe 11 : Le « dernier tableau » d'artistes célèbres. Jeune ou vieux, la mort frappe au débotté 12 : Histoire et vie des seins dans l'art 13 : Francis Bacon, peintre de « viande » et Lucian Freud, peintre de « chair ». Mais tous deux frères de sang ! 14 : L'enfant dans l'art. Il n'y a pas que l'enfant Jésus ou le putto ! 15 : Marie Madeleine ! Qui a dit que l'on ne pouvait pas la voir en peinture ? 16 : Révolution et scandales de l'art classique de Giotto à Manet 17 : La crucifixion dans l’histoire de l’art. La croix et la manière 18 : Longtemps ignoré, moqué, maudit, incompris, mystérieux... Cézanne, ouvre toi ! 19 : Racont’Arts : Anecdotes surprenantes et désopilantes du monde de l’art (6 séries) 20 : Les grandes courtisanes de l’antiquité Gréco-Romaine à nos « coquettes minute » parisiennes 21 : Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur « L' Origine du Monde » de Courbet et que j’oserai vous conter 22 : L’art Ensor. Appelez-moi James. James Ensor 23 : Paula Modersohn-Becker, pionnière de l’expressionnisme. Bien courte carrière ! 24 : Edvard Munch, l'oeil moderne 25 : Johannes Vermeer. Chuuuuut ! Le Siècle d'Or 26 : Christo et Jeanne-Claude : Comme toutes leurs œuvres éphémères, vous serez très vite emballés 27 : Diego Velasquez, peintre de cour et de basse-cour 28 : Faussaires de génie, experts et marchands d'art sulfureux. Que fait la police ? 29 : Romantisme noir de Goya et de Füssli. Quand les incubes et les succubes vous rendent visite la nuit 30 : Madeleine, Joseph et bien d’autres modèles noirs de nos grands peintres du XIXe 31 : L’Escamoteur de Jérôme Bosch. Aucun détail ne vous sera escamoté ! 32 : Jean-Jacques Lequeu (1757-1826), génial dessinateur et bâtisseur de fantasmes, mais célèbre inconnu 33 : Du « Massacre des Innocents » de Nicolas Poussin aux photographies du cri le plus poignant d’une mère face à l’horreur des conflits actuels 34 : Déconfinez-moi, déconfinez-moi ! Oui, mais pas tout de suite, pas trop vite …